par Etienne Cendron

Placement et coordination

Les emplacements

2 camescopes Mono ou Tri-CCD avec cadreurs. L’angle formé par les droites allant du centre de la scène à chaque caméscope, doit faire au moins 90°.
Il faut les fixer sur pied de la meilleure qualité possible, comme par exemple Vinten Pro5.
C’est très important pour réaliser un mouvement de suivi régulier qui ne donne pas le mal de mer au spectateur. Ne pas oublier que ce n’est pas comme en tournage cinéma : on ne maîtrise pas l’action à filmer.

1 camescope de fond de salle, Tri-CCD de préférence, sur n’importe quel pied qui ne s’effondre pas tout seul, penser à bien régler l’horizontalité. Pas de cadreur, pas de mouvement, un plan large de la scène.
Il fournit des images de raccord, ainsi que les entrées/sorties.
On peut éventuellement ne pas cadrer toute la scène si très peu d’action se passe aux extrémités, mais les deux cadreurs doivent en être conscients et alors assurer leur plans.

Eventuellement 1 mini-caméscope fixé sur scène ou sur un des cotés en coulisse. On peut même le changer de coté à l’entracte, suivant l’action, ca permet de diversifier les points de vues.
On peut le lancer avec la télécommande infra-rouge si inaccessible. Et pas oublier de changer de cassette au bout d’une heure !

Ca fait quand même 4 camescopes me direz-vous ! Oui mais le tournage ne prend en géneral qu’un seul (deux tout au plus) soir ou après midi, et on arrive à se faire prêter assez facilement 1 ou 2 mini-camescopes des beaux-fères ou copains. Et ca se trouve en location, éventuellement avec un cadreur.

Bien se rappeler que plus on a de matière filmée en parallèle, plus le montage sera facile et riche. Il n’y a rien de plus pénible que de regarder un spectacle entièrement filmé en plan large.

La coordination

Il est aussi très important de se mettre d’accord à l’avance sur qui fait quoi : champ/contrechamp, plans méricain/plan serré, plan fixe/zoom. L’idéal est d’avoir entièrement filmé une répètition et de la visionner ensuite en prenant des notes et en se répartissant le travail.

En général si on place une caméra en fond de salle pour les plans larges, cela permet à chaque cadreur de "croiser", c’est à dire de prendre le sujet du coté opposé de la scène par rapport à la caméra. Ca se fait assez naturellement et permet d’avoir un quasi "Champ-Contrechamp" lorsque 2 personnages se font face.
Seule règle à poser : Ne pas faire de changement de cadre et de mise au point pendant la réplique du comédien faisant face, ca permet de mieux exploiter au montage.

Les comédiens de théâtre préfèrent souvent les plans où l’on voit l’ensemble de personnages, car on perçoit ainsi mieux l’interaction. C’est vrai, mais il faut varier et mettre aussi des plans serrés, en particulier lorsqu’il y a des émotions à faire passer.

Une astuce : utiliser un flash au début comme clap pour synchroniser les caméscopes (il n’auront pas tous exactement le même time-code, car démarrés à des moment légèrement différents), mais attention tout de même à respecter le public : ce n’est pas très agréable d’etre ébloui par un flash alors qu’on vient d’être plongé progressivement dans le noir de la salle.

D’une façon générale il faut penser au PUBLIC, ca vous permettra d’avoir de bonne relations avec les artistes qui eux, savent ce que c’est que le respect de celui qui paye pour les voir.
On voit encore bien trop d’équipes de tournages multicaméras, même en pro, qui débarquent avec leur gros sabots dans une salle de spectacle et parlent au beau milieu d’un spectacle intimiste...